Propuesta de José Pinto, Marcelo Moya y Nicolás Moreno. Basada en la interacción entre el usuario y un espacio determinado por la presencia de luces artificiales.

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Dirección de arte de una mesa, basado en “la vianda”, denominado así el almuerzo de los trabajadores de la construcción.

Los objetos se han transformado en un testimonio del desarrollo cultural de las sociedades en la historia del ser humano, a modo de relatar acontecimientos generalizados o privados de cada individuo. Los objetos se han transformado en el parámetro para definir los determinados perfiles de las personas basados en el concepto del fetichismo que han adoptado en el transcurso de las sociedades contemporáneas, son las proyecciones implícitas de una prefabricada identidad.

Los individuos circulan en un medio sobrepoblado por objetos, lo cual ha provocado en el hombre una búsqueda de identificación en éstos pero en una forma exclusiva, al nivel reflexivo de asociar determinadas ideas o características no tangibles a un determinado elemento. Este nivel se dilata en el tiempo, puede representar una imagen de producto, el valor agregado que el usuario espera por interactuar con un objeto. Aquí se emiten juicios de valor que determinan los beneficios que se pueden considerar en un determinado producto. Esta identificación va muy ligada al mensaje que entrega la imagen del sistema y deriva en la imagen de uno mismo respecto a su entorno.

Hoy en día esta identificación ha elevado al objeto a un nivel superior al individuo, éste desnudo no posee una significación clara, pero al momento de interactuar con los elementos que el va identificando como propios, comienza a estructurarse un perfil, una “identidad” del sujeto. Esta dependencia, casi agónica, ha provocado el intenso ritmo de un capitalismo desenfrenado, en donde el hombre ya no vale por su integridad, sino más bien, vale por sus proyecciones artificiales.

En un recorrido a la plaza Ñuñoa, dirigiendo la observación exclusivamente en sus lugares de gastronomía, se pudo identificar varios aspectos en común entre los diferentes locales que conforman este espacio.

• Se identificó el uso preferente de materiales nobles como la madera, tanto en puertas y muebles, la cual daban la sensación de un espacio cálido y acogedor.

• La iluminación general del sector es muy tenue, se privilegia generalmente el uso de fuentes de luz puntuales (focos pequeños y velas). Esto provoca, en general en todos los locales, un ambiente íntimo en donde solo son identificables algunos rostros y siluetas.

• Este ambiente de baja iluminación, es contrastados con carteles o fluorescentes de colores saturados que identifican cada lugar de forma particular, los cuales se disponen a mayor altura respecto a la ambientación de cada local.

• El conjuntos de estos elementos se complementan perfectamente con las características de la plaza, la cual posee en su mayoría, una iluminación cálida y uniforme.

En conclusión, se puede decir que la plaza Ñuñoa esta pensada, intencionalmente o no, para encontrarse con un ambiente íntimo y recatado, donde las personas mantienen la conducta de ir a sentarse a un lugar a tomar algún trago y conversar de cualquier cosa.

Se gestaba un nuevo imperialismo que iba a gobernar una diversidad de culturas que debían estar representado  en un solo hombre,  de carácter solido y consecuente en una práctica intransigente. Este era un símbolo de identidad y poder  y para ello necesitaba vincularse a otras representaciones que reafirmaran esa imagen. El conductismo del poder reside en el eje del dominador/dominado, lo que es en este caso, la aspiración de ser residente en lo divino, en lo sobrehumano para ejercer el sometimiento sobre el otro.

La construcción de la cancillería del Reich, debía responder al intercambio simbólico que buscaba residir  en el contexto  de la supremacía, tanto así, que el mismo Hitler se sintió impresionado y agradado por la edificación, por el hecho de vincularse estrechamente a su aspiración de poder. Es la forma como el espectáculo somete al espectador y configura un nuevo escenario que apunta a un objetivo determinado: generar una representación del poder.

Traducido en el contexto actual, la construcción de espectáculos en nuestra sociedad, como plantea Debord (asumiendo sus “profecías”), es la forma de alienación de los espectadores, que día a día consumen simulacros de supuestas realidades que responden a las características de teatralización  o de la escenificación de los poderosos para mantener el orden dominante. Es el nuevo orden del “parece pero no es” de las cosas, del conformismo carente de crítica del individuo actual respecto a su entorno y su forma de vida.

Para el director de arte es necesario saber, no sé si para un bien o mal, reconocer estos discursos que representan simbólicamente la realidad que van determinando el actuar de la sociedad, el identificar estas pequeñas “cancillerías” con el fin de moverse dentro de los espacios de la “divinidad”, de las ideas ocultas que generan conductas sobre el espectador.

Más allá de considerar a la perspectiva artificial, en su contexto, como un hecho relevante en el desarrollo del arte y la arquitectura, cabe destacar los vínculos que entretejieron la malla de disciplinas que llevaron a Brunelleschi a tal magnifica aplicación. El, como un reconocido escultor y arquitecto, pudo considerar esas dimensiones para traspasarlas a un nuevo contexto y crear el artificio de la simulación. De aquí se desprenden nuevas configuraciones que en el  pasado han sido relevantes para el desarrollo de las visualizaciones y han dado paso a otras nuevas.

Como ejemplo de esto último, se puede hacer referencia al nacimiento del cine de animación, específicamente con la experimentación de Émile Reynaud donde la pintura y la música se conjugan para dar una nueva perspectiva del tiempo y el espacio. El factor diferenciador claro entre éstos dos últimos, radicaba en la naturaleza temporal de cada uno; por un lado, la pintura permanecía estática e imperecedera y podía ser contemplada según el espectador lo estimara, en cambio la música, presentaba la característica de ser interpretada dentro de un lapso determinado. La mezcla de estos dos elementos significó una perspectiva en la creación artística, donde el tiempo podía ser conservado y ejecutado en cualquier parte, lo que significo un avance de cómo la simulación de realidades ejercía una nueva relación del artista con el espectador.

Estas nuevas simulaciones radican en el vínculo que generaba la obra de arte con su receptor provocando una reacción y una atmosfera que se distinguía de otras actividades. Como por ejemplo, el significado que da Richard Serra, al catalogar sus obras monumentales (esculturas de enormes magnitudes) como un recorrido cinematográfico, en donde la participación del espectador sobre la obra es crucial en su relación del campo espacial del sujeto respecto al objeto. Plantea el recorrido de la obra como la narración contada por el espectador lo que provoca una complicidad de las diferentes perspectivas  y percepciones de éste sobre la exposición de la obra.  Específicamente, en su muestra  La materia del tiempo  “La instalación está organizada de forma que en cuanto el visitante entra en la sala, penetra en el espacio de la escultura; la totalidad de la galería es parte del campo escultórico. Como ocurre con otras de sus esculturas constituidas por múltiples partes, el artista ha colocado las obras de una manera concreta para que el espectador se mueva a través de ellas y del espacio que las rodea, de forma que se maximice el impacto visual de su presencia física, la inseguridad que produce el material y la percepción fragmentada de las obras. El balcón de la segunda planta permite al visitante obtener una visión panorámica del espacio completo, revelando la ubicación concreta de las esculturas (…)El significado final de la obra no radica sólo en cómo representa su evolución artística sino cómo puede enriquecer la experiencia y provocar cambios.”1

Claramente, es el artista el que configura la simulación del espacio y tiempo, y determina las conductas o emociones que busca ejercer sobre el espectador, subordinando los elementos visuales y tácticos, y además de valerse de los recursos disponibles  para llegar a dichos resultados.

Relato de una madrugada de día de semana. No tiene mucho fundamento, salvo la busqueda de escenas privadas y algo ocultas, que crean una atmosfera más menos inquietante para el transeunte, una suerte de niebla desgastada, hibrida y egoista.

El elemento comparativo claro y explicito entre las dos muestras, claramente es el tiempo. Nos situamos, por una parte, en el siglo XVII, en donde se muestran hechos de la vida de un santo, dentro de un convento (ahora museo). Por otro lado, nos encontramos con una bienal con un mix de obras contemporáneas que relatan diferentes ideas y situaciones. Es importante señalar al tiempo como un factor diferenciador, básicamente por el contexto en el cual la obra se desenvuelve.

La vida de San Francisco, en un momento determinado cumplía una función, bastante delimitada, semejante a muchas pinturas de carácter católico, la cual se resumía a reflejar la divinidad en la especie humana el vinculo jerárquico ante un Dios, y el publico que apreciaba esas pinturas correspondía a estas creencias, por ende estaba familiarizado a su significado y les producía un sentido. Algo parecido sucede en el caso de la bienal de Sao Paulo, omitiendo las características específicas de cada obra, el arte que se presenta, al igual que muchas otras muestras, cumple una funcionalidad en un grupo especifico de espectador. Es el arte encerrado en un gran edificio, con códigos herméticos y ermitaños respecto a la sociedad, que no busca más que reafirmar su propio estado como elemento exclusivo, elevado por sobre de un conocimiento común. Un arte que perdió, en un momento de la historia, su finalidad social y que pretende de alguna forma, recuperar el espacio perdido que el egocentrismo le quito.

La finalidad del arte, actualmente, esta virando a un compromiso más cercano con la realidad, retratando o denunciando hechos tangibles ajenos a las realidades de los espectadores; de alguna forma el arte quiere retomar un rumbo que lo acerque a su entorno, quiere aterrizar para entenderse con la gente.

Se puede hacer una comparación con el diseño, y sobre todo en aspecto de su funcionalidad. Claramente cada representación grafica desea cumplir un objetivo, pero ese objetivo no puede desligarse de la relación que tiene con el mundo, El diseño cumple con lo que el arte perdió en su momento: la universalidad y la gratuidad de estrecharse con toda la sociedad, independiente de las características del individuo.

Sin embargo, algunos diseñadores olvidan ese rumbo y diseñan para ellos mismo, creando códigos indescifrables que son descodificadles para cierta masa especializada y critica. Como lo denuncia Donald Norman, reconocido diseñador,: “ Muchos diseñadores, por su parte, fracasan por su afición al uso sofisticado de las imágenes, las metáforas y la semántica que les permiten ganar premios en las competiciones de diseño, pero que, en cambio, les llevan a crear productos que a los usuarios les resultan inaccesibles.(…)Un buen diseño conductual debe estar centrado en el ser humano, focalizarse en la comprensión y la satisfacción de las necesidades que tienen quienes utilizan un determinado producto de diseño.”